一

我一直有个疑问：在深圳这样一座城市，一个人静下来写诗会有什么样的感觉？白天工作，晚上写诗，或者晚上工作，白天写诗。我之前无法想像其中的微妙。但在忙碌和喧嚣中，仍然有一些在深圳写诗的人，这也不是什么宿命，而就是兴趣爱好所致。我完全能理解有诗人对语言的把玩，它是不分地域和环境的，在哪里都挡不住一个人用头脑和想像完成对自我的救赎，那是他精神之船能得以停靠的为数不多的港湾，尤其在这样一个时代。在了解了深圳一些诗人的生活和写作后，之前的疑惑，也渐渐释然了。他们和其他城市的大多数诗人一样，愿意留在诗歌这块阵地上，不是为了博取同情，也非为了名利，而是为了那止不住想写的一些令自己得到安慰的句子，为了那语言创造的欣喜和欢悦。

谁是为写诗而去深圳的？几乎没有。可是这些为生计而居于此的人中，一些人写起了诗，或许他们去之前就开始写诗了，在深圳的写作只是一个持续。更多的人，容我推测，在奔波中大概都放弃了诗；能坚守的，已属不易。这是为了要给自己一个交待吗？其实根本没那么悲壮，有人还抱着游戏和好玩的心态，不那么严肃庄重，不那么偏执较劲，只是有着写出和释放的快感，让他们一直在朝前走。就如同土地测量员K去寻找语言之墙对面的那座城堡，总想进去，但最终都未能进，这中间与所有阻碍力量博弈的过程，是痛苦的，可能也是美妙的。在当下诗坛大放异彩或踽踽独行的深圳诗人中，绝大多数都是外来者。作为深圳的异乡人，他们现在也都被划归到了深圳诗人群里，也许他们早已在内心将自己当作了深圳诗人，且成了一种自觉。偌大的深圳，诗人也可能形成圈子化——总是几个关系好的在一起玩——各玩各的，互不干涉。这种“不团结”，其实正是深圳诗歌自新世纪以来获得全国瞩目的原因。

徐敬亚1986年以《深圳青年报》编辑身份组织现代主义诗歌大展、“诗生活”、“第一朗读者”、《大象诗志》、《白诗歌》、《飞地》等这些与诗歌有关的事件、网站、诗歌活动与民刊都发生在深圳，也确实为深圳诗歌带来了声誉。但更内在的声誉，其实是由个体的诗人通过自己独特的写作所争取的，他们每一个人的努力，皆是在为这座并不诗意的城市拓展精神之花绽放的空间。莱尔、从容、一回、谢湘南、王顺健、李晃、樊子、大草、唐成茂等中坚诗人，他们可能都过了热衷于形式实验的年龄，下笔即为人生和命运的有感而发，在细节里呈现生活，在感悟中理解人生。我也愿意以感同身受的姿态来面对他们的作品，那是一些让人能读得进去的文字，用情的，在理的，入心的。在他们之后，有更多的年轻诗人带着梦想来到深圳，他们当是这座城市的新生诗歌力量。其活力和创造性，已经体现在了那些鲜活的分行文字里，如同暗夜里的一束光，能照亮文化沙漠中那些似乎被遗忘的角落。这些年轻诗人多为70后和80后，如今还在坚持的，大概是不会再离开了。为兴趣而作，想必是不会太功利的，因此，他们的诗作大都带着实验性，有着先锋的品质。

张尔在主编《飞地》诗歌丛刊之前，还曾编过《诗林》双月刊，他让这份东北的诗歌刊物获得了南方的灵性。在此要强调的是，张尔首先是一个诗人，其次才是一个诗歌编辑。他的诗，有很强的语言实验色彩，不完全是凭经验写诗，而是靠想像在推进词语前行。这样的方式，往往能让诗人获得更长久的写作动力。张尔将人生经验作为一种资源在积存和累加，这可能会为他某一天的转型留有足够爆发的潜能。这位在语言世界里遨游的高个子，他的诗应该是用词语重重地砸下来的感觉，但他没有，反而写得轻逸，与他的身躯形象恰成反比。他用诗将我们引向了一个神性的空间，领略他的诗意是需要难度的，想像要随着他的写作走，不可偷懒。我们的现实，往往是一堆烦泼的庸常日子，他的现实是什么？肯定超越了俗常，越发靠近一种难以言说的超然之境。“一日或永恒，镜头化出无数枚针孔/将世界汲入暗室监视的无垠。”看似无逻辑，其实每个词后都暗藏玄机，它不是诗人随便倾倒出的一滩语言烂泥。“诗，这雪后滑体的词语矿山，振臂一倾/手心沁出的汗渍慢慢冷藏社会余震的残温。”（《现实》）这就是诗的现实，也是诗人内心的真实。在深圳，也许不太适宜写那柴米油盐的现实之诗，太过物质化的生活，更需要精神上的想像来中和，方可获得平衡。这是一个可以做梦的地方——可以做发财梦，也可以做诗歌梦。《梦中的中年派》就是梦境和现实融合的产物，《短剧》是思绪放飞之后的语言想像之旅，而《寄海南》看似与现实相关，但那情感联结的，也是一种白日梦般的天马行空之意。“雨过，两个人一前一后，挤进国家高速/的尾烟中玩命地排队。卡车显然跑得更快些/疾驰的噪音如饥饿的钟摆，她越来越远，/连衣裙与路肩荒草混为一片，也就是说/她的夜影，在加油站上空将形同一束诡谲的轻烟终至虚无？”这种带有后现代都市风景拼贴的书写，就像是一场梦呓，最后落脚到追问上，如神的幻化。这就是张尔的写作呈现出来的神性诗意，在加速度的想像中完成，它考验的是诗人驾驭语言的能力。

深圳的年轻诗人，似乎不约而同地在朝着一个方向用力，那种梦呓的书写源自他们对语言的偏好甚至偏执。这是创新的动力，也是易遭人诟病之处：因过于注重想像，跳跃感太强的诗给人的感觉可能就是晦涩难懂，这是年轻诗人们的普遍特点。但当想像上升到与经验对接的高度时，另一种诗歌之美可能就产生了，吕布布的诗即是如此。她的诗给我的印象一直就有童话的味道，天真，诡丽，奇谲，带着一种巫性的美。一看这诗题——《吃嘴的光》，就可能跟随诗人自觉地进入某种时空隧道，其实，她是在写月亮。“月亮往东运行——/这只吃嘴的光，吃掉整个太阳”，接下来就是闭上眼睛酝酿出一个想像的世界，各种器物和意象依次出现，就像要完成它们在语言中的旅行，“二十分钟后，一个没有太阳的世界/结束了。”从黑暗到光明，这转化就真的让人看见光了吗？也未见得，诗人没有出示最后的结果，只是知道一场短暂的语言之旅完成了。吕布布的诗总能激起我的阅读欲望，因为你很难猜出她会将你带到哪里，她的诗中似乎永远有着出其不意的惊喜和美。因此，她的写作让人抱有期待，即便是“为一只兔子而作”的《雪后的世界》，也不乏童话的纯粹；即便写一首关于男性的诗，她也能调动所有感官，来参与一场接一场的语言突变，“他决定写一首粗糙的诗/他写那叽叽喳喳的声音”（《他从梦中睡去》），够猛烈，也够劲道，她只是转换了一种方式或变换了一种口味，让那些重的意象也能进入“梦游”之境。童话式的书写，在吕布布这里并不轻盈，她还是要让所有的东西都沉下来，落在地上，更显瓷实、绵密。

二

依靠想像写诗，是很多年轻诗人的惯常路径，也是一些更年轻的诗人唯一方式，这样的资本足以让他们支撑到25岁。然而，诗歌作为语言的艺术，它除了给人带来语言创造的惊喜之外，还有一种共鸣，可能是情感的，也可能是美学的，还可能是思想意识的。能引人共鸣的诗作，我们读来是一种幸运，而对于诗人来说，他也从某种程度上获得了读者的信任。如今，能让人信任的诗人越来越少了，阿翔算一个。他新世纪以来所走过的诗歌之路，所取得的诗歌成绩，我们有目共睹，他的努力皆围绕着诗，办民刊，组诗稿，做诗歌的热心人或义工，令人尊敬。

我几乎没有将阿翔当作一个深圳诗人，总觉得他早已超越了地域之限，而走得更远了，虽然他目前就生活在这座城市。阿翔的诗，源于现实经验，这毫无疑问，我们可以从他的每一个句子中看到现实的底色，但他没有通过超越现实而飘起来，他悬在了中间，那些诗意我们伸手可及，触之有感。大概就是这种超现实的意味，让阿翔在语言的变幻之路上走得精彩。他的诗读起来很连贯，跳跃感并不强，而那起伏的诗意何来？一种气场贯注在了字里行间，他的词语组合大都恰到好处，有时令人叫绝。“白纸爱上黑字/就像一首未完成的诗”，带着隐隐的哲思味道，会促使我们去认领这份创造。“有时诸事/无从说起，许多人带着沉郁的脸色/但有时，你说不，绝不染指另一层假象/这意味更多隐喻朝着不同的方位，闪电/附体，影子脱离你的呼吸，以至于分享内心碰撞/连同偏执，陷入在雾霾之间。而生活/不计废弃，也许因了这样，不确定的/记忆重新归位，一场盛大的宴会/超出现实所带来的拯救。在那个夜晚/太多的幻听有半醒着的流亡，一小片黑暗悼念隐身”（《耳鸣诗》）。这一隐喻意味的抒发，确实像是诗人在与自己进行一场哲学的对话，触及身体和灵魂的双重经验，而读到最后，一种自我审判的感觉随之而来，它显得更内在，也更趋无解。我有时愿意去读这种有挑战性的诗，它们至少不会让人太过依靠惯常思维来领悟其美，诗人的超现实状态，很多时候能偶遇片言之语的新奇之感。“用不现实的口罩也无济于事，让你以为/咳嗽的样子像偏执的生活”，对，就是偏执！阿翔将诗写到一种偏执的地步，乃极致之境。他朝哪个方向走，而我们又需要什么呢？“命运的细节不需要/向老人去辩论，无论如何还有一套办法/通过酣睡可以忘乎所以/至少外表像植物，内心被云朵簇拥/才能打湿下午的暮春”（《过往通过灰尘越来越稀，或今日有诗》）。日常之诗也有它的政治，不管什么样的规训和束缚，最后都可通过“消极自由”来抵达内心的宁静。诗人能事不关己，就高高挂起吗？我看他未必会放任自己到如此地步，他要的就是不懈地去追寻真相，甚至不惜用隐喻来备忘一个时代的罪恶。有时，诗人返身回来，与词语撒娇，也可以是一种生活。“她不能冥思苦想。不能在漫长的夏季/过早暴露，星期五黑得不像话，连伤害也是黑色的/身上的大雨操纵她的美。她曾经纠缠/双性的身份，练习/健忘症，以及对健忘症的适应”（《剧场，新赞美诗》），这样的赞美，堪称一场悖论，而这悖论引发的内心冲突，又是诗意的源泉。阿翔就是在这种自我创造的悖论里日复一日地与诗较量，他的写作有着可以看得到的前景，不在于他的先锋，而在于他用心的执著。

以天马行空的想像完成的诗，有一些总给人不靠谱的感觉，我们在其中找不到生活的依凭，又生怕因误读造成尴尬，所以很多人愿意寻找似曾相识的熟悉，哪怕只是一份传统。现在，向古典回归，朝传统求救，又有了一股回暖的潮流，那些古意和优雅，在后现代社会仍然没有背离我们的审美，仍然符合很多人的阅读和诗歌接受趣味。在温经天的诗歌中，我们就能寻找到一种古典的雅致，看他诗作题目——《断崖》、《飞鸿》、《御蝶》，这样的意象我们只要稍通古典诗词，就不会陌生。诗人不仅从传统里找到了契合自己写作的形式，更重要的是，他捕捉到了一种感觉，那不是江南气质，而是以柔克刚的诗性。现在很多年轻诗人在模仿和借鉴古典，但形式易得，精神难求，如何在骨子里靠近古代诗人的灵魂，那是需要悟性的。虽不能至，但心向往之，温经天当属此一心怀复兴古典梦想的诗者，他的尝试正形成其个人独有的风格。“三千姓名被无相之风扶起宛如一支笛子”（《断崖》）；“鱼鸟同种，自手心生/艰难时水退到脚踝，所以花，开在天空/根游弋/随潮汐分不清明日昨日”（《飞鸿》）；“花间词泛滥。我本邀请豪雨/虹影说，尘缘洗不净，不妨发呆/任远方来者尽取，你一切颜色”（《御蝶》）。读这样一些句子，如置身古典诗词的画面中，能领略到温润之美。诗人仅仅满足于此吗？他还是希望写得更深。表层的古典已非当下诗歌的目的，如何演化出一种诗的现代性来，当是更高追求。而他的一首《途中》，又显得与己不同，与众也有别，这可能是诗人探索的另一个方向。

与温经天不同的是，蒋志武的写作更像是一个诗人在都市的私语和独白。从他的诗作中，我们能读出一种孤独感，他在形而下和形而上之间不断穿梭，连词语的流转也都显出了几分存在感。“需要一个女人的身体/来刺激文字”，诗歌的呈现如此真实，甚至触目惊心，但打动我们的，又是身体的另一面。“在生命的过程里/兢兢业业的骨头供给我站立的姿态/而身体将是我/此生唯一带走的财产”（《身体，尘埃》），诗人写到了一种人生的终极，不委婉，不回头，也不怜惜自己在精神上失落的遭遇。就这样直白其心地道出真言，正是诗人对人生有感而发的体现：我们逃不脱的归宿，就是身体最后归于尘埃，这是注定的结局，无可更改。但那又怎么样呢？因此就要为了获得现世安稳吗？“我喝过的水还流动着/走过的桥梁别人还在走/含着泥土说话，牛羊走过了/最后一块稻田/在异乡的土地上坚守黎明/生命里的张望将更加慈悲”，现世还需好好来过，不管出现何种困境与苦难，总有一份力量在支撑着我们前行。“黑夜的黑在于它的信仰/迎面而来的死讯并不可能”，“生活的刀子切入活着的骨头/我不为残缺的事物哭泣”（《不为残缺哭泣》），这些可能就是一个人生活的明证，完全没什么可怕的。“这些年，一直在低处彷徨/对高处的语言、视野，手镯/充满了畏惧感”（《高处，低处》），有畏惧感是好事，这是对人生还有警惕，还有活着的想法，这样写下去，就会是一种救赎和新生。

三

如果说深圳的男性诗人曾经创下过他们的辉煌的话，那么，在这座城市的女性诗人，与他们相比不仅毫不逊色，有时甚至更胜一筹。她们同样也在各个行业里打拼，但那种诗情的流露也自然、率真，不乏坦荡的情怀。吕布布的诗作像童话，而其他的年轻女诗人中，有和她相同气质的，也有和其风格完全不同的另一种书写，总之，以创造为目的的诗性抒发，就是要达至每个人想要获得的个体真理：我的书写在何种意义上成立？持续不断的写作又如何获得合法性？这些问题或许深入写作的诗人都曾考虑过，只是在具体的实践上，判断的高下在于内心的较量。当书写成为一种自觉，女诗人的感性可能更能营造新奇的诗意效果，她们的细腻与敏感，在日常中捕捉命运感和历史感，将微妙复杂的痛苦经验转化成为丰富的诗性存在，更多时候其实是女诗人的强项。她们中不少人有这个能力来寻找具体可感的真实，在节制的表达中，不动声色地措置那些零散的词语，而呈现给我们的，很可能就是那生活所传达出来的灿烂或悲凉。

在这个意义上，我愿意去倾听几位年轻女诗人的发声，看她们的写作到底如何应证了那些字词间所暗藏的精神内涵。桥的写作可追溯到上世纪九十年代，如今，她早已从青春期写作中走出来，进入到了成熟的开阔地带。她那神经质般的创造，一直贯穿到新世纪至今，其气质更接近于某种寓言性。一首《亚麻的声音》洋溢着“不确定”之美，随着想像的深入，也可收获一段飞翔的快乐，它并不抽象，而是在某种意外里再现了诗与思的巧妙融合。《那个喂过你音乐的人在海里》初看有些让人摸不着头脑，但读完后我们能感受到弥漫其间的一股诗意的轻摇滚味道，“布鲁斯加点香草麦片，你就能在他身上挤出奶/这沉睡的上午，朋克的午餐/整个下午速度金属，主唱咬字清楚/他鞭打一群羊/声嘶力竭”，听这样的音乐，会有一种不自觉的代入感。被音乐领着走，我们可能一度丧失自我，甚至随着乐声移动心绪，难以自拔。但诗人并非是主动的，她所听的音乐是被“喂”的，奇妙就在这里：由被动变为主动，这不仅是音乐教给我们的法则，更是生活本身所带来的影响。桥的诗就是这样游移不定，她很少有固守于某种风格的时候。她乐此不疲地书写都市生活，其优势就在于对幻化之物的得心应手，这或许是天性使然，也可能与她独特的生活趣味有关。《东京造句》仿如一次人生经历的结晶，将日本文化嫁接到诗歌中，却收获了既纯粹也富质感的句子：“恋爱的季节已经过了/我依然饥饿/我饥饿的那天早上种下一片稻子/语言是一粒令人惊喜的谷子/在秋叶原的地下铁，我帮一群人脱去他们的外套/他们都想填满我/他们都想我幸福”，在此，“我”就像是一个季节的代言人，或者说就是一个季节，诗人在说话，有着浅唱低吟的情愫，但并不妨碍我们去找到审美的立场，自由呼吸她的诗所带来的清新之气。

杨沐子的诗，相比于那些靠想像取胜的诗人来说，更接近于生活本身。但这并不代表她的诗中没有想像，只不过是想像内化在了经验展开的维度中，不显得那么生硬、夸张。她的直言如同其性格本身，单纯，坦率，开朗，对自己都不留余地。“我可不喜欢这样的男人/我喜欢的一定会说/走，喝咖啡去。我想着/几乎对外界一无所知/纸巾在手里捏成一团/而且不可能，如同球一样滚动”（《可能》）。诗人就是这样处理生活的，没有试探，也无琢磨，直接切入经验。哪怕只是一种可能，在她笔下，也像是一种真实的发生。这样的直白其心，也是一种风格。“三个少女挤在一起/偷看彼此的乳房，丰满/圆润的世界，像奇异的琥珀/花儿在里面滚动，色泽鲜艳/娇美。其实呢//你在树脂化石中你能做什么/花不能像柔软的衬衣/紧贴在身上/我笑容可掬，脚步轻俏/不，你是否惊讶/这身段，源于青春的冲动/源于对性的困扰/我们的身躯，被卷入三个少女之中/你都看到了/她们右手还举着棒棒糖/像花园搭建的一道风景”（《花园》）。由三个少女引出的花园世界，应是一份美妙的象征，这年龄，这环境，这氛围，都代表着一种朝气。诗人是要写出青春的活力吗？其实这活力中也夹杂着说不清道不明的困惑、疑难和隐秘的忧伤。这由情绪掌控的节奏，诗人把握得恰如其分，她在动态的地方用力，在静态处收尾。《给花园》一诗也是如此，过往的记忆或瞬间场景唤起她写下了易被我们忽略的日常，这样的心灵记录无需多解释，我们能感受到的还是意境本身。

朱巧玲的诗是有激情的，她向往远方的存在，以想像达至，用经验收回，这不是模式，而是路径。她在诗中的呐喊，有着宣泄的意味，我们可由小处进入大处，在开阔里寻求爱的可能。《一万年》这样的诗怎么写？一万年太久，只争朝夕？诗人没有如此现实，她渴望永无止境的延伸，那是能扩张的欲望，连同身体和灵魂。“一万年，是隐匿，是呈现，是镜子里的暴乱/去死吧！虚无/去死吧！孤独/一万年，是漫长，是匆匆，是混沌”，这样的写作有着瞬间的爆发力，诗意也是纵横捭阖，往往能在不经意间化腐朽为神奇。比如，她的一首《闪电》，也属于快节奏型，用重的意象让诗沉下来，表象平静，可内部暗流涌动，“风吹落花瓣，有谁还在千回百转”，似乎要打开另一个存在的世界，要“为你描摹流水般的深圳时光”。至此，诗人写出了她内心的真相：要扮演一个清晰的角色，写出自然和命运交融的一切。“我听到虚啸已冲破云层/那闪电的幸福即将如暴雨倾泻”，闪电在一座城市上空瞬间划过，带来的是诗人的动情之时，打动了她自己，也让我们产生了共鸣。这种移情也体现在了其他诗作里，《在西乡》是由景入情的感念所起，引入佛与神话的思索，境界开阔，但又不乏命运纠葛，这些无以言表的内部潜流，恰是诗的神采。朱巧玲的写作是生动的，抒情性的笔调里总有超越世俗的精神，或许她的诗正见证了一个城市思想和宗教的变化。

四

在深圳诗人群里，我很少看到纯粹的口语写作者，他们不选择简化语言，而是在难度里出示风度。讲究语感，不求美意，自绝于主流之外，这其实也是另一层面的自我放纵。我所倡扬的极致写作，并不是走极端，那些为了吸引眼球的形式或观念化写作，很大程度上就是哗众取宠。不管何种搞笑与无厘头，最终都不过是短暂的小聪明，而无恒久的大才智。深圳的青年诗人几乎没有过度沉迷于形式实验者，他们不是将诗写轻，而是写出一种重感和品质来，这是他们给自己设定的门槛，平实，亲和，沉稳，让人能从中找到阅读和体验的扎根之所。诗人们对待诗歌的态度，与看待生活的眼光一样深透，让所有的词语落实在诗意的地基上，也让真正创造的哲思发挥到一定的水准。

田晓隐和辚啸这两位从湖北襄阳到深圳的80后诗人，他们身上好像有着相似的气质，内敛而节制，但又泾渭分明。田晓隐的诗，语言偏散文化，这样我们更容易切近其诗，他的跳跃之美，不在于语言本身的动感，而是一种整体意境，值得人去回味，或许还是一种享受。一首《味道，或与锁骨有关》更像是气味之诗，这样的诗可供人嗅闻、感悟，不太适合阐释。“自己借出去的东西必须自己要回来/比如锁骨。锁骨上的皴/谁抢都不行，砍头也是从锁骨之上下刀/也就是说，借我良田千顷可以还米三担/摘我菊花百株可以还酒一壶/但是有种气味——/去往破庙躲雨脚上的泥巴不借；/月光下忧伤地长吁短叹不借。”什么可借，什么不可借，在这里，不是实物，就是一种味道或精神。实可借虚不可借，如同诗意就存留于诗中，我们只可领会，不可肆意篡改。田晓隐的味道之诗，在深圳青年诗人群里可谓独树一帜，如果说《野狐外传》是借神思凭吊一段异样而陌生的时光的话，那么像《少年游》则写出了很多同龄人的情怀，因此几近于成了他的代表作。那回忆中隐隐的伤痛，那如泣如诉的乡愁，那语言内部暗含的命运感，都能从各个角度打动我们。“忏悔着茫然的少年游”，正是此诗的主旨，这绵绵的青春愁绪，诗人绕不过去，我们又何尝能绕过去呢？于是才有了共鸣，有了耐心的回味。

诗意就是那只可意会不可言传的东西，我们一般不是去打捞，而是去感悟。辚啸的诗就是典型的需要感悟的诗，起初我并没有太注意她的诗，但一读之下，发现她作品的力量已足够强大，可化雪融冰，尽管她的笔调是冷的，但透出的气息却是炙热。《大雪》、《陶罐》这样的诗有一种闲适的冷，需要用心揣摩；而《第三者》中情感的罗列，需要合适的心境进入。但《我的时间静止》这样的独白之作，有着自我撕裂的敞开意味，虽借“他”之名，但像是写“我”之实，无所禁忌，却又有真言道出的苦涩，诗意就在那真言与苦涩之间流淌。《给他》则是另一首独白的献诗，写父亲这样的主题，稍不留意就陷入了庸俗，但辚啸没有。她沿着父爱的边缘在行走，而没有直插内核，否则，饱满的感觉泄了气，也就没有了可供品咂的个性和魅力。“他们都是幸福的/他们的幸福各不相同/他坐在她的花香里静数黄昏/她站在他的高山上慢慢把白纸涂成黑夜/她凋落，迎着风/落在他当年播种的土地上/他已不会流泪，她是他落日余辉上的一根骨刺”，父爱的哲学通过诗的形式表现出来，色调并不是通常的光鲜，甚至还有些灰暗，但这并不影响诗意的呈现。尤其是那略显沉重的言语背后所透出的尖锐，让这样的亲情之诗变成了思想之诗。诗人的心性就是将自我独特的感受以接地气的形式释放，可惠及更多同在外拼搏的游子，这样的写作，也当是一份尊严的体现。

在一篇文章中，我不可能将所有的深圳青年诗人都“一网打尽”，十来位优秀的诗人，也能从一个侧面反映出这座城市诗歌创作的格局。除了他们之外，深圳还有憩园、廖令鹏、陈再见等更多年轻的诗人在诗的领地上耕耘，他们因年轻，更富活力，也更有潜力。通过他们的诗作，我们也可领略到当下诗坛青年诗人创作的风向标，在个性化的书写里，他们同样有着自己的承担。不管是在浮躁的社会里选择与生活和解，还是在这无聊的时代与庸俗抗争，都是诗人们多元化写作的佐证。当然，集体的出场并不是为了打包推出，其最终目的还是通过个体的叠加，让这座城市的精神在诗的层面上得以发扬。

我们可以看到，深圳的年轻诗人很少去追逐潮流。写底层诗，写打工诗，这或许才是他们最能从中获取名利之处，但他们中的多数人没有如此功利地去写，而是在坚守中召唤自我和个性的有感而发。只有写出真相，才可能是创造之本，如果固守于虚假的魔幻，不论有多花哨，最终也是一片空洞。空洞之诗，是当下诗歌创作的大忌，成熟的诗人明晓于此，而那些在路上的诗人，同样对此抱持着基本的警惕。由心出发，在语言创造的基础上写出存在之难、生活之困与人性之爱，这或许才是深圳诗歌创作的希望和力量所在。

作者简介：刘波，1978年生，毕业于南开大学，文学博士，三峡大学文学与传媒学院副教授，北京师范大学文学院在站博士后，主要从事当代文学批评与诗歌研究。

——《滇池》2014年第七期中国都市新生代。深圳诗群 特邀评论